La música, cuando nace de una vocación profunda, se convierte en mucho más que una disciplina artística: pasa a ser una forma de comprender el mundo y de expresarse con autenticidad. Para muchos músicos, el piano representa precisamente ese puente entre emoción, técnica y creatividad, un instrumento capaz de transmitir desde la delicadeza más íntima hasta la intensidad más poderosa.
En esta entrevista conversamos con Marvin, pianista que ha construido su identidad musical a partir del diálogo entre la tradición clásica y las influencias contemporáneas. Formado inicialmente en el repertorio de grandes compositores como Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven o Wolfgang Amadeus Mozart, su trayectoria ha evolucionado hacia un lenguaje neoclásico que combina sensibilidad clásica con elementos de la música actual, inspirado también por artistas como Yann Tiersen y Ludovico Einaudi.
Actualmente residente en Berlín, una de las capitales culturales más vibrantes de Europa, Marvin desarrolla su carrera en un entorno creativo marcado por la diversidad artística, la experimentación y el encuentro entre músicos de todo el mundo. En esta conversación comparte su proceso creativo, su visión de la música como lenguaje universal, el papel de la improvisación en su interpretación y los desafíos de construir una trayectoria musical en un contexto internacional.
A lo largo de sus respuestas descubrimos no solo el recorrido de un pianista que ha decidido apostar plenamente por la música, sino también la mirada de un artista que entiende el piano como un espacio de libertad, búsqueda personal y conexión con el público.
Marvin, ¿cuándo y cómo descubriste tu pasión por el piano, y qué experiencias personales o educativas crees que fueron decisivas para que decidieras dedicar tu vida a la música de manera profesional? La verdad es que empecé a tocar el piano cuando cumplí diez años. Para mi cumpleaños me regalaron un piano… bueno, en realidad era un teclado. Y desde ese momento no pude parar. Tocaba todos los días, una y otra vez, simplemente porque lo disfrutaba muchísimo. Con el tiempo, mis padres me consiguieron una profesora de piano y también compraron un piano de verdad, y desde ahí nunca dejé de tocar.
La decisión de dedicarme a la música de manera profesional llegó mucho más tarde, recién el año pasado. Fue un momento en el que hice una especie de balance de mi vida: dónde estaba, qué quería lograr en diez o veinte años, y sobre todo qué quería que fuera el eje de mi vida. Y al hacerme esas preguntas con honestidad, llegué a una conclusión muy clara: la única forma auténtica de expresarme y de vivir plenamente es a través de la música.
¿Cómo describirías tu estilo musical y tu enfoque interpretativo, y qué artistas, géneros o compositores consideras que han influido de manera más significativa en tu manera de tocar y componer? Crecí tocando casi exclusivamente música clásica. Escuchaba muchísima música clásica y aprendí el piano con compositores como Chopin —mucho Chopin—, también Beethoven y Mozart. Esa fue mi base, mi formación y mi primer lenguaje musical.
Con el tiempo empecé a interesarme cada vez más por la música pop, y de manera bastante orgánica terminé mezclando esos dos mundos en algo que hoy podría describir como un estilo neoclásico. Durante mucho tiempo ni siquiera sabía que esa combinación era posible, hasta que descubrí artistas como Yann Tiersen y Ludovico Einaudi, que lograron unir lo clásico con lo contemporáneo de una forma moderna y profundamente hermosa. Ahí entendí que se podía respetar la tradición y al mismo tiempo crear algo actual y personal.
Al mudarte a Berlín, ¿qué diferencias encontraste entre la formación musical y la vida artística en tu país de origen y la escena musical de esta ciudad, y cómo crees que estas diferencias han moldeado tu crecimiento como pianista? Cuando empecé a tocar el piano, mi camino era bastante estructurado. Sabía qué piezas estaba estudiando, qué objetivos tenía y dentro de qué marco me movía. Todo era bastante organizado y previsible.
Desde que me mudé a Berlín el año pasado, la experiencia ha sido muy distinta. La ciudad tiene algo caótico, impredecible, incluso desordenado a veces. Pero justamente en ese caos también hay una fuerza creativa enorme. Hay muchísima energía, muchísima libertad artística y una sensación constante de potencial. Siento que esa intensidad —esa mezcla de desorden y posibilidad— me obligó a soltar un poco el control y a crecer como músico de una manera más abierta y espontánea.
¿Hay algún compositor, intérprete o pieza específica que consideres tu principal inspiración, y qué elementos de su música o trayectoria te impactan más y has tratado de incorporar a tu propio trabajo? La verdad es que cambia bastante con el tiempo, pero hoy en día diría que mi mayor inspiración es Ludwig van Beethoven. Simplemente la delicadeza, la simplicidad y la belleza de sus composiciones me impactan profundamente. Trato de incorporar mucho de eso en mi manera de tocar y componer también: mantenerlo simple, delicado, pero a la vez extraordinario, hermoso y armonioso.
Cuando abordas el proceso creativo, ¿cómo varía tu preparación y tu interpretación entre piezas clásicas de tradición establecida y composiciones contemporáneas o experimentales que requieren un enfoque más personal? Con las piezas clásicas, el proceso es bastante formal. Tenés la partitura y, generalmente, hay muy poco espacio para la interpretación personal. Se trata básicamente de leer la música, traducirla a las notas correctas en el piano y practicar una y otra vez las partes más difíciles hasta dominarlas.
En cambio, con estilos contemporáneos más modernos, mi enfoque cambia completamente. Me concentro mucho más en el oído: toco sobre todo de memoria, improviso bastante, juego con las armonías, las melodías y voy agregando mis propios detalles y pequeñas variaciones aquí y allá. Es un proceso mucho más libre y personal.
¿Podrías compartir alguna anécdota significativa de tus primeras presentaciones públicas, ya sea un momento de aprendizaje, un error memorable o una experiencia que haya marcado tu confianza como músico? Cuando empecé a tocar en público, la verdad es que estaba muy nervioso. Pensaba que todos me iban a mirar, que me estaban evaluando, y tenía mucho miedo de cometer errores.
Pero en cuanto me di cuenta de que a la mayoría de la gente realmente no le importa, que solo están contentos si vos estás contento, si vos estás disfrutando, todo cambió. Empecé a relajarme, incluso a aceptar los errores, reírme de ellos, y simplemente seguir tocando, pasándola bien y sonriendo. Esa experiencia marcó un antes y un después en mi confianza como músico.
En tus interpretaciones, ¿qué papel juega la improvisación, y cómo decides cuándo y cómo integrarla para aportar un toque personal sin perder la esencia de la obra que estás interpretando? Es una muy buena pregunta, y la verdad es que nunca pensé demasiado en cómo o cuándo improviso. Creo que, en general, pasa después de tocar una pieza varias veces: hay algún momento, alguna transición entre dos partes de la misma obra que siento que podría necesitar algo extra, y ahí trato de agregarlo.
Pero no lo pienso demasiado; surge de manera muy natural. Si siento que quiero poner algo, simplemente aparece, y se traduce a través de mis dedos en el piano. Es un proceso bastante inconsciente, casi instintivo.
Vivir y trabajar en Berlín seguramente ha tenido un impacto en tu música; ¿cómo crees que la vida en esta ciudad, su cultura y su ambiente artístico han influido en tu estilo, tu creatividad y tu desarrollo profesional? Berlín, como mencioné antes, me dio muchísima energía y optimismo sobre lo que significa ser músico y las posibilidades reales de poder vivir de la música. Desde que me mudé, conocí a un montón de gente interesante, muchísimos artistas, más de los que podría decir que conocí en toda mi vida antes de llegar a Berlín.
Esa energía, y también ese caos de la ciudad, me resulta muy inspirador. Me empuja a seguir adelante, a seguir creando, a mostrar mi música al público y, simplemente, a no dejar de avanzar y de experimentar.
Como músico internacional, ¿qué retos has encontrado al desenvolverte en un entorno cultural diverso, ya sea en términos de competencia, adaptación al público o colaboración con otros artistas de diferentes tradiciones musicales? Para ser honesto, no he enfrentado muchos desafíos en cuanto al aspecto cultural de vivir en distintos países, porque la música parece ser un lenguaje universal. Cuando empiezas a tocar el piano, la guitarra o cualquier otro instrumento, la gente simplemente lo entiende de manera natural. La música es un lenguaje que todos compartimos y que atraviesa las barreras culturales con mucha facilidad.
Cuando planificas tus conciertos o grabaciones, ¿qué criterios seguís para seleccionar el repertorio, y cómo decides equilibrar obras que el público espera escuchar con piezas que expresen tu identidad artística? Sí, siempre es un desafío encontrar el equilibrio entre lo que al público le gustaría escuchar, lo que yo quiero tocar y lograr un balance adecuado entre ambos. Trato de hacer ambas cosas: incorporo mis piezas originales, que significan mucho para mí y que realmente quiero tocar, pero al mismo tiempo siempre presto atención a las reacciones del público y trato de adaptar mi música un poco a lo que la gente disfruta escuchar. Es un equilibrio delicado.
También depende mucho del tipo de lugar donde toque. Si doy un concierto, me concentro mucho más en la expresión creativa y en tocar música original. En cambio, si salgo a tocar en la calle o en algún lugar con fines más económicos, me enfoco mucho más en lo que al público le gusta escuchar. Así que el repertorio varía según el tipo de espacio y la intención de la presentación.
¿Has colaborado con otros músicos, vocalistas o artistas de disciplinas distintas, como danza o artes visuales, y de qué manera estas experiencias colaborativas han enriquecido tu forma de entender y producir música? Sí, he tenido varias colaboraciones. Trabajé con muchos cantantes: hice algunos dúos con cantantes de pop, otros de jazz y soul. Me encanta colaborar también con bailarines y otros artistas escénicos.
Una vez toqué Clair de Lune de Debussy para una bailarina de arte moderno, que bailaba expresivamente mientras yo interpretaba la pieza. Fue una experiencia muy íntima y delicada; sentí como si le estuviera dando algo a través de mi música, y ella me devolvía algo también, en la manera en que mi sonido la afectaba a ella y al mundo exterior. Fue una experiencia muy especial, y definitivamente me gustaría repetir algo así más veces.
En la era digital, ¿cómo utilizas la tecnología en tu trabajo, desde la composición y la práctica hasta la producción y la difusión de tu música, y qué herramientas consideras más útiles para un pianista contemporáneo? Sí, definitivamente está cambiando mucho. Para mí el proceso va de lo más analógico a lo más digital. Me gusta componer y tocar mi música de manera muy analógica, en instrumentos acústicos.
Luego, cuando llega la parte de producción, se vuelve más digital, porque las cosas se graban y se procesan. Uso FL Studio, que es un DAW (estación de trabajo de audio digital), un software para grabar y procesar música y sonido. Es una herramienta esencial que utilizo para toda la grabación y producción de mi música.
Después, cuando llego a la parte de marketing o redes sociales, obviamente todo se vuelve aún más digital. Pero, curiosamente, el proceso que más disfruto sigue siendo el más analógico: tocar en instrumentos acústicos, sentir la vibración de las cuerdas, la respuesta física del instrumento… eso es lo que me da más vida y retroalimentación. La parte digital, en cambio, es más una necesidad; algo que hay que hacer, más que algo que realmente disfrute.
Para ti, ¿cómo se logra un equilibrio entre la técnica pianística estricta y la expresión emocional que busca transmitir cada obra, y qué métodos seguís para mantener ese balance en tus interpretaciones? La verdad, no pienso demasiado en la técnica cuando interpreto nuevas piezas. Es algo con lo que pasé mucho tiempo mientras estaba aprendiendo piano, pero a medida que fui avanzando y dejé de estudiar de manera formal, simplemente toco como quiero tocar, sin enfocarme demasiado en la técnica.
Además, la técnica solo se vuelve realmente importante si estás interpretando una pieza muy exigente; ahí sí se convierte en una preocupación mayor. Para la mayoría de la música que toco y compongo, no es tan crucial. Tener una buena base técnica de mis primeros años estudiando piano me permite tocar mucho más libremente ahora, sin tener que pensar demasiado en la técnica.
Hablando de tus proyectos presentes y futuros, ¿qué iniciativas estás desarrollando actualmente y cuáles son tus objetivos a corto y largo plazo en términos de conciertos, grabaciones o colaboración con otros artistas? Actualmente, me estoy enfocando mucho en construir una presencia más grande y en generar un público que me conozca, que conozca mi música y que disfrute escuchar lo que toco, idealmente mis composiciones originales. Mi principal objetivo ahora es justamente dar a conocer mi música y que más gente se acerque a ella.
A un nivel más largo plazo, mi meta es grabar la mayor cantidad posible de mis composiciones originales, eventualmente publicarlas en un álbum y luego dar conciertos en distintos lugares del mundo. Me encantaría formar un trío con piano, violín y cello para tocar mis propias obras en vivo, y quizás también explorar la posibilidad de que algunas de esas composiciones aparezcan en películas o proyectos audiovisuales. Ese es otro camino que me gustaría explorar.
Finalmente, mirando hacia los jóvenes pianistas que desean desarrollarse profesionalmente, especialmente en el extranjero, ¿qué consejos prácticos y filosóficos les darías sobre perseverancia, creatividad y adaptación a entornos musicales distintos? Sí, definitivamente hay que ser muy adaptable como músico hoy en día. Siempre, en realidad, pero especialmente en esta época. Hay muchísimas posibilidades, pero todo requiere mucha adaptación e iniciativa. Realmente depende del camino que quieras tomar.
Podéis ir por la vía del pianista de concierto profesional: seguir una educación formal, ganar concursos, tocar con grandes orquestas y ejecutar conciertos para piano. O podéis ir por un camino más emprendedor: construir tu propia música, tu propia marca, tu propio sonido y desarrollarte de manera independiente.
Al final, se convierte en una cuestión de cuánto realmente quieres hacerlo. En mi caso, me di cuenta de que no tenía otra opción. No es que no pudiera hacer otra cosa, pero simplemente no funciono en ningún tipo de trabajo de oficina; no estoy hecho para ese tipo de vida. Entonces, mi única opción es hacer algo autosuficiente y creativo. Por eso mi consejo sería: ¿cuánto lo querés realmente y qué estás dispuesto a sacrificar para lograrlo?
Un abrazo,
Marvin
